デジタルアートとは？初心者向けに種類・始め方・必要な機材を徹底解説

スポンサーリンク

こんにちは。画家の小笠原です。

⇨作品集はコチラ

 

これまでアナログ絵画はやったことあるけど、
デジタルは正直手が出ない、
あるいは自分には敷居が高いなどと
思ったりしていませんか？

僕自身、作家活動を始めた頃は

「ペン画一本で制作する！」

などと考えていましたが、
最近では技法の垣根を超えて
コラージュやミクストメディア、
デジタル作画にも挑戦を
するようになりました。

初めの頃は慣れるのに
どうしても時間がかかってしまいましたが、
慣れてくると様々な技法や
デジタル特有の感覚を
掴んでいくことが出来るように
なってきました。

そこで本記事では、

デジタルアートとは何か？

という点に焦点を当て、
定義・種類・歴史・アナログとの違い、
始め方までを初心者でも
すぐに理解できるよう
体系的に解説します。

これ一記事で、
デジタルアートの全体像を把握できるよう
まとめさせてもらいました！

デジタルアートとは何か？定義と概要

デジタルアートの基本的な定義

デジタルアートとは、
コンピューターやタブレットなどの
デジタル機器を使って制作された
芸術作品の総称のことを言います。

絵画・写真・映像・音楽・
インタラクティブ作品など、
デジタル技術を表現手段とする
あらゆる創作物を指します。

従来の絵の具や紙を使う
「アナログアート」に対して、
データとして存在するのが
デジタルアートの最大の特徴です。

広い意味では、デジタルツールを
補助的に使った作品
（写真のレタッチなど）も含まれますが、
一般的には

制作プロセスの主要となる部分に
デジタル技術が用いられている作品

を指すことがほとんどです。

現代ではイラストレーター・
ゲームクリエイター・映像作家など
多くのクリエイターが
日常的に活用しています。

デジタルアートの歴史と発展

デジタルアートの起源は
1960年代まで遡ります。

当時、コンピューター科学者や
数学者が初期のコンピューターを使って
幾何学的なグラフィックを生成し、
それを「コンピューターアート」と
呼んだことが始まりです。

1980年代に
パーソナルコンピューターが普及すると、
より多くのアーティストが
デジタル表現に挑戦するようになりました。

1990年代から2000年代にかけて、
Adobe Photoshopや
Illustratorといった
ソフトウェアが業界標準となり、
プロのデザイナーや写真家が
デジタルツールを本格的に
取り入れ始めました。

2010年代以降は
スマートフォンやタブレット、
高精度なスタイラスペンの普及により、
専門的な機材がなくても誰でも
デジタルアートを楽しめる
環境が整いはじめます。

2020年代に入ると
NFT（非代替性トークン）アートの登場により、
デジタル作品の所有・
売買という概念が大きく変わり、
アート市場に革命をもたらしました。

【ポイント】
デジタルアートは
「道具」が変わっただけで、
表現者の意図・感情・美的センスを
作品に込めるという本質は
アナログアートと変わりません。

技術は手段であり、
目的はあくまでも「表現」です。

デジタルアートの主な種類

デジタルイラスト・ペインティング

デジタルアートの中で
もっともポピュラーな分野です。

• CLIP STUDIO PAINT
• Adobe Photoshop

などのソフトウェアを使い、
液晶タブレットや板タブレット上で
ペンを走らせて絵を描きます。

CLIP STUDIO PAINT

特に初心者に人気が高いのが
CLIP STUDIO PAINTです。

線画補正機能やブラシ性能が強く、
漫画・イラスト・ペン画系との相性が非常に良い為、
国内では定番ソフトとして広く使われています。

僕自身、
ペン画ベースの制作との親和性は
かなり高いと感じています。

【CLIP STUDIOはこちら】

👉 CLIP STUDIO PAINT PRO

Adobe Photoshop

Photoshopは、
イラストだけではなく、

• 写真加工
• コラージュ
• 色調整
• 合成
• AI素材編集

などにも対応した万能型ソフトです。

基本的にはPhotoshopだけあれば
大抵のデジタル作画は事足りてしまいます。

特に、

• ミクストメディア
• フォトマニピュレーション
• コラージュ表現

との相性が非常に良く、
幻想的な世界観制作にも向いています。

僕自身も背景制作や色彩調整、
コラージュ制作では
Photoshopをよく活用しています。

Photoshopのライセンスは
アマゾンでも購入可能です。

これらのデジタルツールでは、
アナログの水彩・油彩・鉛筆画などを
デジタルで再現したものから、
デジタル特有の表現まで
幅広いスタイルが存在します。

初心者がデジタルアートを始める場合、
まずここから入ることをおすすめします。

フォトマニピュレーション・デジタル写真加工

フォトマニピュレーションとは、
写真をベースにデジタル加工・合成・
描き込みを行うことで
独自の世界観を表現する手法です。

Adobe PhotoshopやLightroomを使い、
複数の写真を組み合わせて
幻想的な風景を作り出したり、
色調や光の質感を徹底的に操作して
非現実的な雰囲気を生み出したりします。

広告・雑誌・映画のポスターなど
商業分野で特に需要が高く、
高度な技術を身につけることで
高収益なフリーランス案件にも繋がるので、
腕試しとして試してみるのも良いです。

写真撮影のスキルと
デジタル加工技術の両方が活かせる分野です。

3DCGアート・モデリング

3DCGとは、コンピューター上で
立体的な空間やオブジェクトを
作り出す技術です。

• Blender（無料）
• Maya
• Cinema 4D

などのソフトを用いて、
キャラクター・建築物・
製品・自然物などを
3次元データとして制作します。

映画・ゲーム・建築パース・
プロダクトデザインなど、
現代のあらゆるビジュアルコンテンツに
3DCGが使われています。

学習コストは高めですが、
習得すれば映像制作・ゲーム業界・
建築業界など多くのフィールドで
活躍が期待できます。

モーショングラフィックス・デジタル映像

静止画ではなく、
動きのある映像作品を
制作する分野です。

Adobe After Effectsや
DaVinci Resolveを使って、

• ロゴアニメーション
• MV（ミュージックビデオ）
• プロモーション映像
• タイトルシーケンス

などを制作します。

近年はYouTubeや
SNS動画コンテンツの需要爆増に伴い、
モーショングラフィックスの
スキルを持つクリエイターへの
需要も急拡大しています。

静止画制作から一歩進めたい人に
向いている分野です。

ジェネラティブアート・AIアート

アルゴリズムや人工知能（AI）を使って
自動生成される作品です。

プログラムのパラメーターに従って
毎回異なる形・色・構造を生成する
ジェネラティブアートと、

• Stable DiffusionやMidjourney
• Adobe Firefly

などの生成AIに指示を与えて
画像を作り出すAIアートがあります。

著作権や倫理的議論はまだ整理中ですが、
クリエイティブの新たな可能性として
注目度は非常に高い分野です。

また現在は、

• ラフ制作
• 構図案
• 背景素材
• 色彩シミュレーション

など、僕自身同様、補助ツールとして
AIを活用するクリエイターも増えています。

特にミクストメディアや
コラージュ表現との相性は良く、
従来では難しかった大量試作が
短時間で可能になりました。

一方で、著作権や作家性については
現在も議論が続いています。

その為、

「AIだけで完結する」

というより、

「人間の感性を拡張する道具」

として活用する視点が重要です。

【デジタルアートの種類まとめ】

デジタルアートとアナログアートの違い

デジタルの最大のメリットは「やり直し」が簡単

デジタルアートと
アナログアートの最も根本的な違いは、
修正・やり直しが簡単であることです。

アナログ制作では
一度乾いた絵の具や
紙に刻んだ線を消すことは困難ですが、
デジタルではCtrl+Z（元に戻す）一発で
何百回でも操作を簡単に戻せます。

もちろん、アナログ作画は
修正が利きにくいからからこその
緊張感と作品にかける熱量も高まりますが、
やり直しが簡単に出来るということは
心理的な負担が軽く済むのはありがたいです。

初心者が失敗を恐れずに
試行錯誤できる環境は
デジタルのほうが圧倒的に
整っていると言えます。

また、レイヤー機能を使えば
背景・人物・エフェクトを
別々に管理できますし、
一部だけを修正するといった
柔軟な編集が可能です。

コスト・保管・複製のしやすさ

アナログアートには
画材費（絵の具・紙・キャンバス・筆など）が
継続的にかかります。

一方、デジタルはソフトウェアと
機材への初期投資はあるものの、
消耗品費がほぼゼロです。

継続的に数千円〜数万円かかるのと、
初期投資として数十万円かかるかの違いですね。

また完成した作品はデータとして
クラウド上に保存することも出来るため、
物理的な保管スペースも不要で、
紛失・劣化のリスクもありません。

さらに同一品質の複製を
無制限に出力できるため、
データ販売・NFT・プリント販売など
多様な商品展開が可能です。

この「複製コストの低さ」は
ビジネス面で大きな強みとなります。

アナログならではの強みも理解しておく

デジタルアートには
多くのメリットがある一方、
アナログ制作固有の価値も存在します。

絵の具のにじみ・筆圧の微妙な変化、
紙の質感といった偶然性の表現は
アナログならではの魅力です。

作品から滲み出てくる熱量というのは、
やはりアナログ作画の方が
唯一無二と言えます。

また、原画（一点物）としての希少性や、
手で触れられるという物理的な体験は、
デジタルでは代替できません。

多くのプロの作家が

アナログで感性を養い、
デジタルで効率を上げる
というハイブリッド手法

を取っているのはこのためです。

最近は僕もデジタルを導入してきたので、
実感させられる部分も多々あります。

中でも、

• 構図調整
• 色調整
• コラージュ
• 試作

これらのスピードは圧倒的に上がりました。

特にミクストメディア系の
表現とは相性が良く、
アナログでは何日も
かかっていた試行錯誤を
短時間で繰り返せるようになります。

一方で、紙の質感や偶然性は
やはりアナログ独特の
魅力だと感じています。

どちらが優れている
というわけではなく、
目的によって使い分けることが重要です。

アート・デッサンについて
総合的にまとめた内容については
以下の記事を参考にしてください。

⇨ アート総合ガイド
⇨ デッサン総合ガイド

デジタルアートのメリット・デメリット

デジタルアートのメリット

デジタルアート最大の強みは、
「失敗コストの低さ」です。

何度でもやり直しができ、
レイヤー機能によって
パーツごとの修正も簡単に
行うことが出来るからです。

また、

• SNS投稿
• データ販売
• 印刷
• 動画化

などの展開力も高く、
現代のネット環境と
非常に相性が良い表現手段です。

また画材を大量に消費しない為、
長期的にはコストを
抑えやすいのも大きなメリットです。

デジタルアートのデメリット

一方で、デジタル特有の難しさもあります。

特に初心者が苦戦しやすいのが、

• ソフト操作
• レイヤー管理
• ショートカット
• 機材選び

です。

また、描き直しが簡単すぎる為、
逆に完成できなくなるケースも
少なくありません。

アナログのような
「偶然のにじみ」や
「物質感」は弱くなりやすい為、
表現によっては物足りなさを
感じる人もいます。

必要なツール・ソフトウェア

デバイス：タブレットとペンの選び方

デジタルイラストを描く場合、
マウスではなくペンタブレット（板タブ）
または液晶タブレット（液タブ）の
使用を強く推奨します。

板タブは画面を見ながら
手元のタブレット上で
ペンを走らせるタイプで、
価格が比較的安く
（Wacom Intousシリーズで1〜2万円台から）、
初心者にも手が届きやすいです。

液タブは画面に直接描き込む方式で、
より直感的な操作感が得られますが
価格は高めです。
（Wacom Cintiq・HUION Kamvas等、4万円〜）

iPadとApple Pencilの組み合わせも人気で、
Procreateとの相性が抜群です。

用途と予算に合わせて選びましょう。

ソフトウェア：目的別おすすめ

制作目的によって
選ぶべきソフトは異なります。

デジタルイラストなら

CLIP STUDIO PAINT（月額480円〜）

が国内シェアNo.1で、
漫画・イラスト機能が充実しています。

iPad専用の

Procreate（買い切り約1,800円）

は直感的なUIで初心者にも
使いやすいと評判です。

写真加工・フォトマニピュレーションには

Adobe Photoshop（月額3,280円〜）

が業界標準。

3DCGには「Blender（完全無料）」が
機能・コミュニティともに最強の選択肢で、
プロ・趣味問わず広く使われています。

まずは無料・低価格のソフトから始めて、
必要に応じてアップグレードするのが
賢い進め方です。

学習リソース：独学で上達するために

デジタルアートは独学でも
十分上達できます。

YoutubeにはProcreate・
Blender・Photoshopの
解説動画が大量に存在し、
無料で質の高い学習ができます。

最初の3ヶ月は完成品を
出し続けることを最優先にし、
技術的な完璧さよりも
発信の習慣化を意識しましょう。

デジタルアートの始め方と手順

ステップ1：目標と制作ジャンルを決める

デジタルアートを始める前に、
「何のために描くか」を
明確にすることが重要です。

趣味として楽しみたいのか、
イラストレーターとして
仕事を取りたいのか、
SNSでフォロワーを増やしたいのか、
NFTで作品を販売したいのか。

目標によって必要なソフト・スタイル・
学ぶべき技術が大きく変わります。

まずは

• キャラクターイラスト
• 風景
• 抽象
• 3DCG

などからジャンルを一つ絞り、
そのジャンルで活躍している
クリエイターを参考にしながら
インプットを蓄積しましょう。

ステップ2：最低限の機材・ソフトを揃える

最初から高価な機材を揃える
必要はありません。

iPad＋Procreate、
または板タブ＋CLIP STUDIO PAINT
の組み合わせがコスパ・学習効率ともに
優れています。

iPadに関しては、
後々の操作性を考えたら
通常のiPadよりも
Air、Proといった高性能の
iPadを検討するのがおすすめです。

もっとも、初めの頃は
スペックよりも「毎日触れる環境」を
整えることが最優先です。

ですので、お金にゆとりがなければ
中古の整備品を購入して
安く済ませるのもアリです。

Amazonでも整備品は扱っているので、
気になる方はそちらを確認してください。

ソフトは無料体験版や
入門グレードから始めて、
制作スタイルが固まってから
アップグレードするのが失敗のない
アプローチです。

ステップ3：基礎練習と模写から始める

デジタルアートも絵の基本は同じです。

最初の1〜2ヶ月は
「模写（既存の作品を真似て描くこと）」を
繰り返しましょう。

模写は著作権に注意しながら練習用に留め、
上達したら自分のオリジナル作品制作に
移行します。

線の引き方・ペンの筆圧設定・
レイヤーの使い方・塗りつぶし・
クリッピングマスクといった
基本操作を習得することで、
制作速度と表現の幅が一気に広がります。

ステップ4：作品を発信してフィードバックをもらう

作品は必ず外部に発信しましょう。

SNSに投稿することでいいねや
コメントという形のフィードバックが得られ、
モチベーション維持にも繋がります。

Pixiv・Instagram・X（Twitter）・
ArtStationなど、ジャンルや
目標に合ったプラットフォームを
選ぶことが大切です。

最初のうちは「完成度よりも継続」を意識し、
週に1〜2作品のペースで投稿を
続けることが長期的な成長に繋がります。

NFTアートとの関係

NFTアートとは何か？デジタルアートとどう違う？

NFTアートとは、
ブロックチェーン技術を使って
デジタル作品に唯一性・所有権を証明する
仕組みを付与した作品のことです。

NFT=Non-Fungible Token
（非代替性トークン）

通常のデジタルデータは
誰でも複製できますが、
NFT化することで

「このデータの正式な所有者は誰か」

をブロックチェーン上に記録できます。

つまり、NFTはデジタルアートの
「所有権証明書」のようなものです。

2021年に大規模な市場が形成され、
数億円規模の取引が
話題になりましたが、
2023年以降は市場が落ち着いています。

とはいえ、デジタル作品を直接販売・
収益化する手段として
依然注目されています。

デジタルアーティストがNFTを活用するメリット

従来、デジタル作品は
コピーが容易なため
「原画」という概念が成立しにくく、
物理的なアート作品と比べて
一点物としての価値を
つけることが難しい状況でした。

NFTはこの問題を解決し、
デジタル作品にコレクターが
「所有する喜び」を提供できます。

また、NFTの仕組みによっては
作品が二次流通するたびに
アーティストにロイヤリティが
支払われる設定も可能で、
作品が転売されるほど
収益が積み上がるという
新しいビジネスモデルも生まれています。

NFT市場への参入を考えるなら、
OpenSeaやBlurなどの
マーケットプレイスを
研究するところから始めましょう。

NFTの仕組みについては、
参入をする前に一通り理解をしておくことを
おすすめします。

デジタルアートで仕事・収益化する方法

フリーランスイラストレーターとして案件を受注する

デジタルアートのスキルを
ビジネスに直結させる
最もオーソドックスな方法が、
フリーランスでの案件受注です。

ゲームキャラクターデザイン・
書籍カバー・SNSアイコン・
LINEスタンプ・広告ビジュアルなど、
イラストレーターへの需要は幅広くあります。

クラウドワークス・ランサーズ・
Skebなどのプラットフォームを活用し、
まずポートフォリオ（実績集）を
整えることが最優先です。

【クラウドワークスはこちら】

⇨ 日本最大級のクラウドソーシング「クラウドワークス」

SNSでの継続的な発信が
実績と集客の両方を担うため、
フリーランスを目指すなら
早い段階から発信習慣を
つけることが重要です。

デジタルコンテンツ販売・プリント販売

作品をデータとして販売する方法も
収益化の主要な手段です。

BOOTHやCreema・minne・
Etsy（海外向け）で
デジタル素材・壁紙・ブラシセット・
イラスト集などを販売できます。

【minneはこちら】

⇨ ハンドメイド作品を販売・購入できる！　ハンドメイド作品のオンラインマーケット≪minne（ミンネ）≫

印刷会社と連携した
プリントオンデマンドサービス
（SUZURI・Redbubble等）を使えば、
在庫を持たずにグッズ販売も可能です。

初期費用が低く、
寝ている間にも売れ続ける
ストック型収益になるため、
長期的な観点から
取り組む価値があります。

スキル販売・講座開講

制作技術自体をコンテンツとして
販売する方法もあります。

ストアカ・Udemy・note・
YouTubeなどを通じて
デジタルアートの描き方講座を
提供することで、
スキル販売という形の収益化が可能です。

特定のジャンルで一定の知名度がつけば、
講座販売は高単価かつ繰り返し
収益が見込めるビジネスモデルになります。

「作品を売る」だけでなく
「技術を売る」という視点を持つことで、
収益の柱が複数生まれます。

よくある質問（FAQ）

デジタルアートは初心者でも始められますか？

はい。可能です。

現在はiPadや
無料ソフトの普及によって、
初心者でも始めやすい
環境が整っています。

最初は高価な機材を揃えるよりも、
毎日継続して描ける環境を
整えることが重要です。

iPadだけでもデジタルアートはできますか？

可能です。

特にiPadとApple Pencil、
Procreateの組み合わせは人気が高く、
趣味から商業レベルまで
幅広く活用されています。

デジタルとアナログはどちらが難しいですか？

どちらにも異なる難しさがあります。

デジタルは修正がしやすい反面、
ソフト操作やレイヤー管理に
慣れる必要があります。

アナログはやり直しが難しい代わりに、
紙や絵の具特有の質感表現が魅力です。

無料ソフトでもデジタルアートはできますか？

可能です。

特にBlenderやKritaなどは
無料ながら高機能で、
多くのクリエイターに利用されています。

まずは無料ソフトから始めて、
必要に応じて有料ソフトへ
移行するのがおすすめです。

AIアートもデジタルアートに含まれますか？

一般的には含まれます。

現在は生成AIを補助ツールとして
活用するクリエイターも増えており、
ラフ制作や背景素材制作など
幅広く利用されています。

まとめ：デジタルアートは「表現の自由度を広げる道具」

デジタルアートとは、
デジタル機器を使って
制作する芸術表現です。

現在では、

• イラスト
• 写真加工
• 3DCG
• AIアート

など、幅広い分野で活用されています。

最大の魅力は、

• 修正しやすい
• 試作しやすい
• 発信しやすい

という点です。

一方で、アナログ特有の質感や偶然性にも
独自の魅力があります。

重要なのは、

「どちらが優れているか」

ではなく、

「どんな表現をしたいか」

です。

なのでまずはiPadや無料ソフトなど、
始めやすい環境から
気軽に触れてみましょう！